演奏与创作的分离，影响了乐器教学

乐器演奏与创作的分离，是近代以来的事，这与工业革命以后的社会分工同步。音乐也是一项产业，产业想要蓬勃发展，分工是必然。

分工是满足经济利益最大化的需求。一个在服装厂工作十几年的工人，可能会订一个纽扣，但不会做一整件衣服。他只需精于订纽扣即可养活自己。

同理，一个钢琴家，只需把琴弹好，不需要创作，就可以过上体面的生活。甚至有些精于弹奏某种风格，或某些个作曲家的作品即可。于是就有肖邦诠释专家，巴赫专家等。

这样的分工影响到了乐器的教学。回到演奏与创作没有分离那个年代，跟一个钢琴家学钢琴，是演奏与创作同时学的。

现在找老师学钢琴，就纯粹学演奏技术了，已经不可能从钢琴老师那里得到任何创作的指导，因为老师也没有创作的经验。想学创作只能另外找教作曲的老师。

古典吉他也如此。现在的古典吉他教学，越来越倾向于“机理学派”，专注于演奏技术的提升。

从《卡雷巴洛教程》到《跳动的尼龙》到《吉他圣经》，莫不如此。还有其他大部分东拼西凑的古典吉他教材——先讲吉他演奏基本技术，剩下的篇幅就是循序渐进练习曲N首。也不知道这些练习曲之间有何联系。

但是我们翻看《卡尔卡西吉他教程》不是这样的，翻看《伯克利现代吉他教程》也不是这样的。

专注于技术，就可以集中精力提高演奏技术，以便能在高手如云的演奏者中脱颖而出。

这是功利的需求，符合社会分工的本质。我认识一个朋友，他儿子学古典吉他，不懂看谱，什么调也不懂，每天一练琴就是打开节拍器，常年练好了几首有分量的曲子，去参加全国比赛，获奖了，接下来顺利进了音乐学院。

这就是教学成果，看得见摸得着的。以考级、比赛、升学为教学目标，才“出成果”，出成果才能招到更多学生。

但是，我们只关注了眼前的“成果”，却忽视了人的发展。我在“《练琴》：一个古典吉他手的心路历程”一文曾提过，纯粹靠乐器演奏生存的人凤毛麟角。

大部分从事音乐行业的人都要身兼数职。这就需要培养综合的音乐素养。

或许我们要回到演奏与创作未分工以前的乐器教学模式。用现在的话来说，就是培养一个“音乐人”。在这方面，已经有很好的例子，比如维也纳音乐学院的古典吉他教授——米歇尔•郎格

德国权威的《声学吉他》杂志评论到，“米歇尔•郎格作为杰出的作曲家和吉他手，他熟知怎样把民间，蓝调，爵士和拉丁元素融合到一起”。 

米歇尔•郎格尤其注重与学生们分享他在平衡古典和创新中的独特体验。他教导学生们如何成为一个“完整的音乐家”，虽然这会为演奏带来一些局限性，但与此同时，这样一条成长之路带给大家的却也是全方位的吉他演奏技巧。

对于专业学习者来说，这样的路就很宽。对于业余学习者来说，学订一个纽扣，和学完整地做一件衣服，所获得的满足感是不同的。

而且对于整体的了解，也能更深刻的理解局部。业余学习者不需要参与演奏与创作的分工，他们学习音乐，纯粹是满足个人体验，更应该从整体去学习音乐。

文章转载自公众号：小纸船吉他艺术中心（重按可以阅读原文哦）